Le couvent de Sainte-Elisabeth-des-Deux-Amants fut construit sur l’emplacement d’anciens bains romains et resta actif jusqu’à la Révolution, après quoi ses élégants bâtiments, disposés en U autour d’un jardin de roses furent affectés à l’Ecole Nationale Vétérinaire. C’est ainsi que l’actuelle salle de concert d’orgue est l’endroit où fut pratiquée la première césarienne sur une jument ; cela contribua au perfectionnement d’une technique opératoire ensuite pratiquée sur des femmes, préservant ainsi de nombreuses vies humaines. L’installation du Conservatoire en 1980 faisait partie du programme de Marcel Landowski pour fournir des musiciens aux nombreux orchestres régionaux français de l’époque. Son département de musique ancienne très réputé, dirigé par le claveciniste, organiste et professeur de basse continue Yves Rechsteiner, occupe quant à lui l’aile de parasitologie de l’ancienne école vétérinaire. Marcia Hadjimarkos a rencontré Yves Rechsteiner, ainsi que Claire Alban-Lenoble, Secrétaire Générale du Conservatoire et chanteuse accomplie, pour parler du département de musique ancienne de Lyon.

Claire Alban-Lenoble : Notre département s’intéressait au départ à la musique du Moyen-Age et de la Renaissance, mais maintenant notre enseignement va jusqu’à l’époque classique. Dès le début notre objectif a été d’offrir aux étudiants un enseignement complet, qui concernait autant la musique que son environnement humain, avec une large base culturelle et une solide formation théorique, portant entre autres sur l’analyse, l’esthétique et l’ornementation dans la musique ancienne, l’accord des instruments, les différents tempéraments, etc. Cet aspect est particulièrement bien développé à Lyon, et nous offrons huit disciplines complémentaires aux étudiants du département. Ils ne se focalisent pas exclusivement sur l’instrument qu’ils ont choisi, et passent aussi beaucoup de temps à faire de la musique d’ensemble. Chaque semaine ils prennent aussi bien des cours d’ensemble que d’instrument soliste, et on en voit le résultat au moment des examens, lorsque de nombreux membres du jury font des commentaires sur la qualité de nos groupes, et sur le fait que la musique d’ensemble est plus largement développée chez nous qu’ailleurs.

Yves Rechsteiner : Je voudrais souligner la bonne entente de notre équipe enseignante. Il y a un état d’esprit spécial à Lyon qui vient du fait que nos professeurs s’entendent aussi bien sur le plan personnel que musical. Ils ont tous participé à un concert que nous avons donné récemment et qui a rempli une salle de quatre cents personnes. Ils aiment travailler ensemble au quotidien, et il y a entre eux une symbiose indiscutable. C’est vraiment l’un de nos points forts. Au lieu de rentrer tranquillement chez eux après leurs cours, ils consacrent encore du temps à répéter et à donner des concerts ensemble. Les élèves sont sensibles à ce fait, bien sûr, et ils s’efforcent d’en faire autant. Nous travaillons plus particulièrement les musiques médiévales, Renaissance et du XVIIe siècle. Cette spécialité, très bien enseignée par une équipe extrêmement compétente, nous distingue d’autres établissements. Le Conservatoire National Supérieur de Paris, par exemple, est davantage spécialisé dans les répertoires du XVIIIe et du début du XIXe siècle, si bien qu’en fait les deux écoles sont complémentaires.

C. A.-L. : Les candidats des années 80 et 90 jouaient souvent sur des instruments anciens pour la première fois de leur vie le jour de l’examen d’entrée ! Peu de conservatoires régionaux proposaient des cours d’instruments anciens, mais tout a changé maintenant, et un enfant peut désormais commencer la viole de gambe, le clavecin ou la flûte à bec dans sa propre ville. Le niveau des candidats s’est considérablement amélioré ces dix dernières années.

Y.R. : Ils sont aussi plus jeunes maintenant, et ont des bases musicales bien plus solides. C’est surtout vrai des gambistes : ces deux dernières années nous avons accueilli quelques excellents gambistes de dix-sept ans.

C.A.-L. : Et le département s’est considérablement étoffé. Outre les instruments traditionnels comme le luth, la viole, la sacqueboute ou le cornet à bouquin, nous proposons aussi maintenant des cours de violon et de violoncelle baroques, de flûte à bec, de basse continue etc. Il y a aussi un examen d’entrée spécifique pour les chanteurs qui veulent se spécialiser en musique ancienne, ainsi que des professeurs spécifiques pour la technique vocale et le solfège. Nous avons atteint maintenant des effectifs optimum, pour ce qui est des enseignants comme des étudiants, et nous n’envisageons pas d’élargir notre offre dans un proche avenir. Jusqu’à récemment notre département de musique ancienne était sous-représenté dans les 200 concerts ou plus qui composent la saison musicale du Conservatoire ; mais nous collaborons désormais avec l’Isère pour une suite de récitals de musique ancienne dans des églises baroques, ce qui est un progrès. Et le fait que Hewlett-Packard France, qui a apporté une contribution financière au Conservatoire ces dix dernières années, ait choisi de sponsoriser l’un de nos ensembles de musique ancienne en 2005 est un signe de reconnaissance particulièrement encourageant. Il n’y a que quelques années, cela aurait été impensable, tout simplement parce que le niveau n’était pas assez élevé ; l’entreprise aurait eu peur de faire du tort à son image en choisissant un ensemble de musique ancienne. C’est une preuve vraiment tangible des progrès accomplis qu’ils nous aient choisis, et bien sûr cela nous ravit.

Y.R. : Je suis assez d’accord sur le fait que des changements fondamentaux ont eu lieu ces trois ou cinq dernières années. Les étudiants de notre département peuvent désormais prendre part à diverses manifestations qui vont de récitals " maison" mis en place par des classes spécifiques à des concerts thématiques de la saison du Conservatoire. En 2004-05 les élèves de musique ancienne participeront à des concerts sur des thèmes comme la musique anglaise, la musique au temps d’Henri VIII, et les répertoires des XIVe et XVe siècles. Nous organisons aussi, pour des groupes de dix étudiants, des séminaires donnés par des experts comme Howard Crook, Dominique Vellard, Anner Bylsma et Jos Van Immerseel. Ce type de travail intensif, où l’on prépare des concerts, des master classes et des séminaires est très stimulant pour les étudiants. Certains se plaignent même de n’avoir plus assez de temps pour travailler leur instrument !

C.A.-L.: Quatre-vingt cinq pour cent sont français, les autres viennent de différents pays, en particulier d’Asie. L’Allemagne et la Scandinavie sont aussi fortement représentées, et certains étudiants viennent chez nous grâce au programme Erasmus. Il y a aussi beaucoup de Sud-Américains, en particulier des Argentins, qui passent une année universitaire à Lyon.

Y.R. : Tous les deux ans, nous collaborons avec d’autres institutions sur des projets d’envergure. La première fois, nous avons travaillé avec le Conservatoire de Genève, puis avec celui de Paris, nous avons donné La Passion selon Saint Matthieu. Jos Van Immerseel a dirigé un orchestre classique avec des élèves de Genève et de Lyon pour des œuvres de C.P.E. Bach, et en avril dernier Christophe Coin a dirigé un groupe de musiciens de Paris, Bâle et Lyon dans des suites de Lully et des œuvres pour la trompette marine ! Ce type de projets assez lourds est de plus en plus fréquent.

Y.R. : Oui, les ensembles des élèves de Lyon sont professionnels à tous points de vue, et ils ont une grande pratique en commun. Leur excellence permet au Conservatoire de les proposer à des organisateurs de concerts comme la Ville de Lyon, le Pays du Beaujolais, le Festival d’Ambronay et le Département de l’Isère, comme le disait Claire. Des formations très en vue comme celles de Marion Fourquier, Anne Quentin, Lucien Kandel et Amandine Beyer comptent tous des diplômés de Lyon. Et bien sûr l’équipe enseignante joue et enregistre régulièrement.

C.A.-L. : Non, je ne crois pas que ce soit un phénomène passager. Les gens veulent revenir à leurs racines, et ils sont aussi attentifs à la qualité. On joue de plus en plus de musique ancienne aujourd’hui, ce qui n’implique pas nécessairement le rejet de la musique contemporaine. La musique ancienne est accessible à un plus large public, et elle semble moins démodée que celle du XIXe ou du début du XXe siècle aux jeunes auditeurs. C’est aussi une question économique : une petite ville n’a tout simplement plus les moyens de faire venir un orchestre de quatre-vingts musiciens, et cela a beaucoup augmenté le nombre de concerts donnés par de petites formations dans des lieux plus modestes, comme des églises locales. Tout cela a fait beaucoup de bien à la musique ancienne. La qualité des ensembles s’est aussi largement améliorée, et les musiciens des formations traditionnelles ne se moquent plus de leurs collègues spécialisés en musique ancienne.

Y.R. : A mon avis il y a de deux groupes en musique ancienne. Il y a d’abord ceux qui jouent des instruments pour lesquels on ne compose plus, comme le luth, la viole de gambe et le clavecin. Ces musiciens sont extrêmement créatifs, et sont souvent attirés par d’autres musiques comme le jazz, la musique indienne et la musique contemporaine. Et il y a ceux qui jouent des instruments qui ont poursuivi leur carrière au XIXe siècle, comme le violon, le violoncelle ou le piano. Ces musiciens deviendront de plus en plus polyvalents dans les années à venir, et auront aussi plus de chances de trouver du travail. Les musiciens "classiques" évolueront vers la musique ancienne, l’inverse existera aussi, et on verra de plus en plus de gens passer d’un univers à l’autre. Le projet Rameau de l’Opéra de Lyon en donne un bon exemple. Ils ont acheté des instruments anciens pour tout l’orchestre et fait venir Christophe Coin pour travailler avec eux. On trouve aussi le cas d’œuvres de Monteverdi jouées sur des instruments modernes. Autre exemple, le pianiste Alexandre Tharaud s’est spécialisé dans les compositeurs baroques français. Le danger pour la musique ancienne, c’est qu’elle devienne superficielle ; je pense qu’il faut conserver un idéal ambitieux : un musicien choisit un instrument ancien parce qu’il ou elle croit que jouer de cet instrument va changer quelque chose. Si nous ne continuons pas à défendre cet idéal esthétique, la musique ancienne va disparaître, victime de son propre succès.